«Sur une immense toile, elle passait les jours. La nuit, elle venait aux torches la défaire. » (1)
Ces mots d’Homère à propos de Pénélope attendant le retour d’Ulysse conviennent à Isabelle Jarousse qui, inlassablement depuis vingt ans, travestit le papier en une étoffe sertie de dessins à l’encre de chine. Ronds, hachures et figures animent les creux et les plis qu’elle modèle dans l’intimité de l’atelier.
Dans L’Attente au crépuscule, l’artiste, en proie aux révélations de l’inconscient, constitue le terreau de nos propres hallucinations. La nuit hante l’œuvre, peu-plée d’étranges rêves. Le regard s’enfonce dans le noir profond du voile de papier.
Le sommeil et la mort vont de paire. La récente série Fleurs et couronnes résonne d’accents shakespeariens : les grands formats en longueur évoquent l’eau sta-gnante dans laquelle s’évanouit la belle Ophélie dont le corps-papier, fantasmé et modelé par l’artiste, est couvert de fleurs fraîches.
Être Ophélie, c’est dire et redire la détresse et la joie, c’est dessiner le clair et l’obscur d’une page, exprimer dans la chair l’instabilité d’un monde qui a le vague à l’âme.
Bien qu’empreint d’un impalpable sentiment romantique, l’œuvre est loin d’insuffler le morbide. Reprise par Philippe Delerm, la figure héroïque d’Hamlet devient lumière ; une «tache blanche, l’essentiel, le centre du motif » (2) Dès lors, le sujet de l’œuvre n’est plus l’attente mais bien celui du destin pris en main. Le regar-deur bascule dans l’espace et le temps de la vie : il arpente les méandres du papier, plein d’un monde foisonnant.
La recherche d’un ailleurs accompagne le sentiment d’abandon auquel l'artiste aspire : un abandon charnel qu’allégorisent les personnages féminins en proie à la virile frénésie des caresses prodiguées jusqu’à l’orgasme ; un abandon dans le deuil enfin, tant est que les deux soient liés, comme perte.
Isabelle Jarousse décrit un univers modulable au gré de nos pensées. Ses sujets incarnent la chair et l’âme de nos désirs dans les rêves et les mythes, à l’instantanéité du regard. L’œuvre dévoile une géographie de l’inconscient dont les plis invitent à sonder l’intériorité du dessin. Telle serait la portée enivrante de l’encre qui nous submerge et de l’ivresse du blanc qui, en creux, nous révèle à nous-mêmes un univers incommensurablement grand.

Damien Chantrenne

(1) Homère, L’Odyssée, XXIV.
(2) Philippe Delerm, Autumn.

À la fin de l’été 2004, Pascal Verbena et sa compagne Nelly firent un voyage solitaire à pied, d’Arles à Saint-Jacques-de-Compostelle, que l’artiste relata dans son livre « La bise de l’âne », que nous éditions en 2006.
En fait, « La bise de l’âne », beaucoup plus qu’un récit de voyage, est un retour sur soi, une auto-analyse enrichie par une réflexion personnelle sur le processus de création d’un autodidacte qui, en permanence au corps à corps avec la nature et ses éléments, se laisse avant tout conduire par son propre instinct de découverte.
Cette lente méditation, l’a conduit à de nouvelles créations que nous présentons dans cette exposition « Retour de Saint-Jacques-de-Compostelle », dans la même ligne que les précédentes mais enrichies par la diversité des matériaux utilisés et des techniques employées. Comme les bois flottés, trouvés dans le delta du Rhône qu’il utilise depuis longtemps, les ardoises du chantier de sa maison des Alpes qu’il façonne avec opiniâtreté et minutie, donnent toute leur magie et leur mystère aux habitacles, triptyques, stèles et dessins récents.
Le voyage iniatique, riche et éprouvant d’Arles à Saint-Jacques-de-Compostelle, Pascal Verbena le revit tous les jours dans le silence de son atelier du Vieux-Port de Marseille, lorsqu’il dessine et sculpte avec une multitude de détails qui ont chacun leur sens, des œuvres puissantes et étranges, prenantes et affranchies du temps et de la mode.

Madeleine Chave